1917年，亨利·馬蒂斯（HenriMatisse，1869-1954）與比自己大30歲、已近暮年的雷諾阿（Pierre-AugusteRenoir，1841-1919）相識，在接下來的兩年里，他們展開了一次次對話。作為19世紀末顛覆繪畫傳統的印象派畫家，雷諾阿為馬蒂斯在20世紀發展自己激進的色彩和形式鋪平了道路，也逐漸開始欣賞他的新朋友無拘無束的色彩運用和對黑色的掌控。
澎湃新聞獲悉，“馬蒂斯與雷諾阿：新邂逅”正在美國費城巴恩斯基金會臨時展廳展出，所謂“新邂逅”即是兩位藝術家的相遇，也是對巴恩斯基金會藏品的另一種觀看。
展覽現場，一位觀眾正在欣賞馬蒂斯作品《生命的歡樂》（1905-1906年）
巴恩斯基金會創立于1920年代，是美國制藥大亨阿爾伯特·C.巴恩斯（AlbertC.Barnes，1872-1951）留下的偉大遺產。從40歲至去世，巴恩斯收集了大約900幅繪畫作品（以及其他眾多物件），收藏品中包括59件馬蒂斯作品和181件雷諾阿作品，巴恩斯基金會也是目前收藏最多雷諾阿作品的機構。
巴恩斯將基金會視為一所藝術鑒賞學校，他以收藏作為教學材料。在展廳中開展“課程”，觀眾（學員）通過研究墻上的作品“組合”（巴恩斯以藝術家如何處理色彩、線條、光線和空間的視覺體驗為線索，精心陳列畫作和雕塑）學習。這種組合以基金會常設展的形式，從1951年巴恩斯去世后保留至今。
巴恩斯與雷諾阿的《森林中的浴女》和《離開音樂學院》，1932年，照片由皮埃爾·馬蒂斯拍攝巴恩斯基金會檔案館照片收藏
而此次“馬蒂斯與雷諾阿：新邂逅”源于基金會的二樓翻新，常設展作品暫時入庫。受創始人巴恩斯最喜歡的兩位藝術家——亨利·馬蒂斯和雷諾阿之間友誼的啟發，策展人辛迪·康（CindyKang）和科琳·鐘（CorrinneChong）選擇了兩位藝術家的34件作品，在一樓的臨時展廳里策劃了一場短期展覽。9月8日后，這些作品將重新回到二樓，回到它們原來的組合中。
展覽以藝術家和時間為序，分布于四個展廳，第一個展廳展示雷諾阿的晚期作品，包括風景、靜物和人物畫。一次意大利之旅激發了雷諾阿對古典藝術的敬畏，此后他一生都在努力超越印象派的自發性。
雷諾阿，《離開音樂學院》，1876-1877
展覽中的14幅雷諾阿作品幾乎都能輕易辨認。唯一例外的是他最早期的作品《離開音樂學院》（LeavingtheConservatory，1876-1877），雷諾阿用細膩的身體語言表現一群巴黎年輕人在音樂學院外的交流。在如同電梯般緊湊的空間中，雷諾阿以光聚焦前景中四位年輕人，其中一名男子輕輕助力他的朋友與一位持有紙卷（可能是樂譜）的女生交談。藝術家細心地安排了這看似隨意的群體，背景中密集的人群被模糊處理，畫面中藍色、薰衣草色、綠色和棕色的表現性筆觸為場景增添了活力。雖然這幅畫作出現在雷諾阿的印象派時期，但其大尺寸表明他可能打算用于沙龍展覽。
雷諾阿，《貝爾諾瓦的貽貝捕撈者》，1879年
1879年，雷諾阿在諾曼底海岸繪制了《貝爾諾瓦的貽貝捕撈者》（Mussel-FishersatBerneval），畫中描繪漁民家庭收集貽貝的田園風景。漁民形象在沙龍展覽中很受歡迎，但雷諾阿偏離了這一主題，將焦點放在孩子身上。與其描繪兒童的作品一致，藝術家樂于表現年輕人玫瑰色的面頰和杏色肌膚，但他們蓬亂的頭發和破舊的衣物暗示其身份。
雷諾阿，《閱讀》，約1892年
雷諾阿富有創造性的背景經常被解讀為抽象畫作。在《閱讀》（Reading，約1892年）的墻壁上，色彩飽滿的筆觸不動聲色地爭奪著空間。《在阿讓特伊的塞納河》（TheSeineatArgenteuil，1888年）中傳達雷諾阿對湍急河流的印象，這一年，雷諾阿在印象派藝術家及贊助人居斯塔夫·凱耶博特（GustaveCaillebotte）的家中度過了一個悠閑而富有成效的夏天。這幅畫展示了從塞納河南岸望向度假勝地阿讓特伊的遠景，在此，雷諾阿從同一時期風景畫的技術實驗回歸到了大膽的色彩對比和松散、斷裂的筆觸，他將筆觸轉化為水流，這些都是他在1870年代中期印象派畫作的特征。
雷諾阿，《在阿讓特伊的塞納河》，1888年
雷諾阿對下一代法國現代藝術家影響重大，其中自然包括馬蒂斯，他將雷諾阿視為色彩和人物畫大師。在呈現雷諾阿晚期畫作的同時，展覽下一個展廳展示了馬蒂斯野獸派作品。這些作品是如此激進、色彩表現力十足。
馬蒂斯，《紅色馬德拉斯頭飾》，1907年
在此，觀眾可以看到馬蒂斯《紅色馬德拉斯頭飾》（RedMadrasHeaddress，1907年）與其相關但獨立的作品《馬德拉斯》（TheMadras，1906-1907年）并排展出，這兩件作品在常設展中通常被懸掛在不同的展廳。《紅色馬德拉斯頭飾》的模特是馬蒂斯的妻子阿梅莉（Amélie），她經常出現在20世紀初馬蒂斯最具革命性的畫作中。1907年，這幅畫首次展出時，評論家并不太欣賞。馬蒂斯則故意挑戰肖像畫的傳統，通過扭曲模特的身體，聚焦于色彩和圖案。
馬蒂斯，《馬德拉斯》，1906-1907年
馬蒂斯宏大的作品《生命的歡樂》（TheJoyofLife，1905-1906年）曾是著名的格特魯德和利奧·斯坦收藏，是歐洲現代主義歷史上的關鍵畫作之一。當1906年首次在巴黎展出時，觀眾被大膽的色彩、震驚的比例，以及扭曲的解剖結構所震撼。在常設展中，它被固定在一個需要仰望的位置，在此觀眾可以以平視的高度與其相遇，走進藝術家充滿生動想象的“白日夢”中。在此色彩擺脫了描述現實的負擔：草地是淡紫色的，地面是黃色的，天空則是粉色的。
馬蒂斯，《生命的歡樂》，1905-1906年
1917年，馬蒂斯在法國南部創作，并開始拜訪雷諾阿位于卡涅的家，他向這位年長的藝術家展示自己的近作。在1917年至1933年的尼斯時期，馬蒂斯對體積、輪廓和透視的興趣，縮小了他們創作實踐之間的差距。
1918年初，雷諾阿（右坐）和馬蒂斯（中站）在雷諾阿的家。上圖為雷諾阿的《漫步》（約1905年，照片由WalterHalvorsen拍攝
受到兩位藝術家直接對話的啟發，第三展廳展示了兩位藝術家的大型畫作，這些畫作相對而立，鼓勵觀眾花時間進行對比。比如，馬蒂斯的三聯畫《三姐妹》（ThreeSisters，1917年）是對早期雷諾阿作品的致敬之作，展覽將其與雷諾阿三幅大型多人構圖作品對比。
馬蒂斯《三姐妹》之一
雷諾阿，《米西亞·塞特肖像》1907年
早在《貝爾諾瓦的貽貝捕撈者》中，雷諾阿就描繪了勞作題材，而在《葡萄采摘者》（GrapeGatherers，約1888-1889年）中，也繪就了兩位在田間勞作間隙休息的婦女。盡管雷諾阿使用了明亮的色調和輕盈的筆觸，仿佛海上吹來的暖風重新排布了田野和衣物的色彩，但觀者依然能感受到工人的疲憊。
雷諾阿，《葡萄采摘者》，1888-1889年
相比印象派通常所描繪的是休閑場景，這幅表現貧困工人的現實主義題材讓人震撼。在附近，馬蒂斯《魚缸前的年輕女子》（YoungWomanBeforeanAquarium，1921-1922）中，一位棕發女子俯身于桌前，夢幻般地凝視著她的魚缸。這兩幅畫巧妙地并列展示了階級與休閑。這種對話讓人興奮不已——它將很久以前的圖像置于當下語境中，以一種有意義的方式將現實與過去聯系。
馬蒂斯，《魚缸前的年輕女子》，1921-1922年
最后一個展廳是馬蒂斯描繪室內空間中資產階級女性的作品，這些畫作參考了文藝復興時期的裸體繪畫和東方主義。在“閑暇”主題的貫穿下，馬蒂斯創造了一個懶散和愉悅的世界。
馬蒂斯，《捧花束的人物》，1939年
例外的是《音樂課》（TheMusicLesson，1917年），他在這幅畫中展現了一個充滿歡快家庭氛圍的場景，畫作的背景設在藝術家的客廳，雖然孩子們專注于鋼琴，妻子坐在花園中，仿佛外部空間是客廳的延伸，植物和雕塑掩蓋了視角的深度。作為一名業余小提琴手，馬蒂斯可能通過畫中一個擱在琴盒上的小提琴來象征自己，在刻意扁平化的空間，粉色的鋼琴頂蓋似乎沿著畫布表面滑落，藝術家玩弄著真實與想象空間的概念。
馬蒂斯，《音樂課》，1917年
兩位策展人希望“通過此次展覽，觀眾可以發現特定的地點或時間如何塑造藝術家的作品，希望激發觀眾以新的視角重新欣賞這些知名作品”。巴恩斯基金會的宣傳資料也聲稱，這次展覽將重點放在藝術史的背景上。然而，墻上的注釋主要強調雷諾阿和馬蒂斯的個人生平，忽略了政治、文化和經濟背景。
雖然兩位藝術家的關系確實有趣且相關，但讓人有很多疑問，比如，雷諾阿的兩個兒子在“一戰”前線受傷，但兩位藝術家似乎忽略了這場戰爭，他們的盛名和財富是否使他們更容易創造一個個與世隔絕的“泡泡”？
馬蒂斯，《有金魚的工作室》，1912年5月-9月底
注：展覽將持續至9月8日，9月15日起，這些作品將回到常設展中。本文編譯自《Hyperallergic》《BroadStreetReview》和展覽官網。
